Я должен сказать, что после просмотра этой исключительной игры стало ясно, что каждый актер по-настоящему вжился в свою роль и показал что-то действительно захватывающее. Наоми Аки в роли Фриды в фильме «Моргни дважды» является свидетельством ее универсальности как актрисы. Ее способность передать сложные эмоции персонажа, попавшего в опасную ситуацию, просто завораживает.
В 2024 году было множество исключительных ролей в фильмах, которые были настолько впечатляющими, что заслуживали второго просмотра. Наши уважаемые авторы уже выделили 16 выдающихся ролей года — прорывные роли для новичков, признанные звезды, демонстрирующие свое мастерство, и давно назревшее признание характерных актеров. Однако талантов продолжает появляться, поэтому мы рады представить еще 16 исключительных ролей, которые заслуживают нашего внимания.
Во второй половине года нас ждут еще более приятные сюрпризы и любимая классика: менее известные ведущие роли в независимых фильмах ужасов, как минимум два бывших актера «Звездных войн», демонстрирующие свои таланты в сложных ролях, молодые звезды, превращающиеся в безжалостные отцы-убийцы и многое другое. Продолжайте читать, чтобы узнать, кто еще привлек наше внимание на экране в 2024 году.
Адам Драйвер в роли Сезара Катилины в «Мегаполисе»
Хорошая игра, как правило, ассоциируется с отличными фильмами — или, по крайней мере, с фильмами, которые в некотором общепринятом смысле работают. Но иногда в фильме можно увидеть отличную игру, которая либо не работает, либо с которой разумные люди могут не согласиться. Научно-фантастическая басня «Мегаполис» Фрэнсиса Форда Копполы, которую он создавал тридцать лет на самофинансирование, является именно таким фильмом. И если вы действительно верите (как и я), что он работает каким-либо значимым образом (хотя бы как выражение переменчивого, упрямо личного подхода его режиссера к форме искусства), то это из-за того, как Адам Драйвер играет главного героя и Аватар Копполы, появляется почти в каждой сцене.
«Мегаполис» вращается вокруг замечательного городского архитектора по имени Сезар Каталина, который похож на Роберта Мозеса из «Метрополиса» Фрица Ланга, который пытается навязать свои проекты Новому Риму — смеси Нью-Йорка, Рима и различных вымышленных пейзажей. После катастрофы у Сезара возникли разногласия не только с мэром Франклином Цицероном (Джанкарло Эспозито) и влиятельными фигурами города, но и со многими другими, в том числе в некоторой степени с ним самим. Несмотря на его высокомерие, его изображают заслужившим это благодаря своему исключительному интеллекту.
Этот персонаж, вероятно, показался бы невыносимой, недоделанной, самоотменяющейся карикатурой, если бы его сыграл кто-нибудь другой, кроме Драйвера, который превосходно играет сложных людей и является одним из немногих современных американских ведущих актеров, который одинаково правдоподобно играет гипервербальных гениев. и парни, которые настолько тупы, что берут с собой в постель линейку, чтобы посмотреть, как долго они проспали. Он не извиняется и не обращается с особыми просьбами от имени Сезара, пытаясь вызвать к нему сочувствие, вместо этого изображает его совершенно прямо, даже когда диалог наиболее застенчив, граничит с лагерем. Он каким-то образом разделяет разницу между натурализмом и стилизацией, заставляя все остальные способы исполнения фильма, от почти клоунады Кабуки до тонкости шепота, кажется, скорее сливаются, чем противоречат друг другу.
Как и сам Сезар, возможно, взялся бы за эту работу, эта работа требует подхода архитектора. Благодаря его сверхъестественной способности останавливать время, волшебная игра Драйвера заставляет вас поверить, что на съемочной площадке он использует сверхъестественную силу. Он словно воспринимает каждое действие и мысль, происходящие одновременно, и чудесным образом сплетает все это в гармоничный образ. Иногда кажется, что он тонко руководит выступлениями, как это, вероятно, делал Коппола на съемочной площадке. – МЗС
Дэйзи Ридли в роли Фрэн Ларсен в фильме «Иногда я думаю о смерти»
В фильме Рэйчел Ламберт «Иногда я думаю о смерти» Дейзи Ридли изображает застенчивую офисную сотрудницу по имени Фрэн, которая во время работы часто представляет свое безжизненное тело в разных местах. Зрители отправляются в визуальное путешествие по песчаным пляжам и лесным подстилкам, прежде чем Фрэн приходит в сознание, прикрывает рукой рот и нервно оглядывается по сторонам, чтобы убедиться, что ее коллеги не заметили. Постепенно Ридли раскрывает тонкости психики Фрэн, обнажая перед зрителями ее душу. Большая часть этого достигается без диалога: Ридли говорит только быстрыми или тревожными вспышками.
В тонкой, но мощной манере Ридли изображает Фрэн одновременно приглушенной и очень физической, создавая впечатление женщины, которая, кажется, преследует свою собственную жизнь. Каждый раз, когда она появляется на экране, очевидно, что Фрэн чувствует себя пойманной в ловушку своего тела и ситуации, оторванной от собственного опыта. Удивительно, как такой персонаж, страдающий от страха перед самим собой, как Фрэн, может так полностью увлечь публику. Игра Ридли заставляет вас чувствовать себя затянутым. В конце фильма Фрэн признается Роберту (которого играет Дэйв Мерхедже), в своем многообещающем любовном интересе, в своем тайном желании повеситься на кране за окном офиса, в признании, сделанном с голос дрожал от стыда. Это откровение, столь пронзительно произнесенное тихим шепотом Ридли, не оставляет у вас сомнений в том, что вы являетесь свидетелем начала выдающейся карьеры. — Кайя Шуньята
Наташа Лайонн в роли Рэйчел в фильме «Три его дочери»
Со временем я стал менее воодушевлен преувеличенными формулировками, которые часто используются для определения «метода действия». Кажется, что настоящая актерская игра, как нам постоянно напоминают, заключается в том, чтобы стать единым целым с ролью, в процессе, включающем метаморфозу, тщательное исследование и даже отказ сломать характер на съемочной площадке. Этот подход часто требует физических изменений, обширных исследований и большой самоотверженности.
Меня особенно привлекают исполнители, которые создают особый образ персонажа только для того, чтобы показать свои лучшие выступления, бросив вызов этому образу. Это имело решающее значение для актеров студийной эпохи (таких как Кэри Грант, Кэтрин Хепберн, Джеймс Стюарт и других, не участвовавших в «Филадельфийской истории»). Сегодня мы видим эту модель у таких актеров, как Том Хэнкс, Дензел Вашингтон, Кристен Стюарт и Наташа Лайонн.
В «Трех его дочерях» мы ожидаем, что персонаж Рэйчел будет похож на ее роли в «Русской кукле» и «Poker Face»: курильщика марихуаны, жестко говорящего, делающего ставки на спорт из Нью-Йорка. Однако вместо того, чтобы изображать ее экстравертной карикатурой, Джилл Солоуэй (настоящее имя актрисы) копает глубже, превращая то, что могло быть стереотипом, в тонкое изображение предвкушающего горя. Рэйчел уже видела упадок своего отца еще до прибытия сестер, и ее непринужденный диалог и перевернутый язык тела (кажется, что она часто ищет выхода во время разговора) раскрывают больше о ее характере, чем могли бы длинные, интроспективные монологи. — Перефразировано ИИ
Рауль Брионес в роли Педро в фильме «Кочина»
В хаотичном ресторане на Таймс-сквер уверенно лидирует Педро, неавторизованный повар из Мексики, несмотря на то, что официально он не является главным. Его неистовая манера поведения, колеблющаяся на высокомерии и часто раздражающая, сталкивается со скрытой чувствительностью в убедительном образе Рауля Брионеса в экранизации пьесы Алонсо Руиспаласиоса «Кухня». Столкнувшись с обвинениями в растрате со стороны своего босса и переживая неожиданный роман и последовавшую за ним незапланированную беременность, Педро из Брионеса готовит еду с бешеной страстью, созерцая неуловимую иллюзию американской мечты. В одном случае Педро страстно оплакивает опасность разговора по-английски, чувствуя, что его голос до сих пор не услышан. В отличие от многих своих коллег, которые просто переносят тяготы эксплуатации, он остро чувствует тяжесть своего бессилия.
Ближе к концу спектакля Педро физически вспыхивает, предполагая, что его давно сдерживаемый гнев вырвался изнутри него. Создается впечатление, что он подавлен капиталистической системой, которая ценит его только за его производительность и в остальном считает его одноразовым. Кажется, что в этой взрывной сцене Брионес, актер, известный своими сильными эмоциями, отточенными в театре, вселяет в Педро глубокую печаль, которая сияет в его усталых, печальных глазах в минуты тишины. Здесь очевиден весь эмоциональный диапазон Брионеса, благодаря чему его присутствие кажется сияющим.
Киллиан Мерфи в роли Билла Ферлонга в фильме «Такие мелочи»
Один кинорежиссер однажды поделился со мной, что если спектакль легко смотреть, то зачастую он не является сильным. Было бы сложно утверждать, что игра Киллиана Мерфи в «Таких мелочах» не произвела впечатления. Вместо того, чтобы открыто показывать игру, мы погружаемся в фильм, становясь свидетелями искренней искренности персонажа, чье бурное прошлое и глубокая привязанность к дочерям пересекаются, обнажая его поврежденный дух и стойкую уязвимость. Однако выделяется то, как Мёрфи умело оставляет зрителям пространство для связи с фильмом посредством тонких физических сигналов и сдержанной и частной манеры поведения персонажа.
Проще говоря, Пол Рискер говорит, что «Такие мелочи» тонко передают страх через невысказанные элементы. Выдающаяся сцена — это когда Билл Ферлонг просыпается посреди ночи, борясь с тревожной мыслью, которая прекрасно изображена. Вместо того, чтобы показать Мёрфи, напуганного тем, что его дочь может попасть в беду, мы видим обеспокоенного Билла Ферлонга. Это, наряду с другими тонкими аспектами игры Мерфи, создает двойной мир — внутренний и внешний. Окружающая среда, созданная Мерфи, режиссером Тимом Милантсом и сценаристом Эдной Уолш, позволяет зрителям погрузиться во внутренний мир Билла. Приглашая зрителей войти, Мерфи призывает их заглянуть в его душу, чтобы лучше понять его. Исключительное исполнение представляет прошлое не как воспоминания, а как воспоминания, погружая и фильм, и зрителей в сознание его персонажа.
Аня Плашг в роли Агнес в «Купальне дьявола»
Фильм Вероники Франц и Северина Фиалы «Купальня дьявола» вдохновлен реальным событием «самоубийства по доверенности», которое было распространено в религиозных конфессиональных государствах, где депрессивные люди, часто женщины, совершали убийства, чтобы добиться исповеди и спасения. Основанный на книге Кэти Стюарт, в которой «самоубийство по доверенности» рассматривается как проявление патриархального религиозного контроля, фильм рассказывает историю Агнес, которую сыграла Аня Плашг. Хотя это исторический рекорд, «Ванна Дьявола» становится чем-то экстраординарным благодаря игре Ани Плашг; фильм превращается в яркое и динамичное произведение, убедительно изображающее психическое расстройство женщины.
В первой сцене фильма Агнес выглядит спокойной, создающей свадебный венок для своей предстоящей свадьбы с Вольфом (Дэвид Шейд). Духовная женщина, она просит совета, как стать хорошей женой и матерью. Однако ее новая жизнь оказывается сложной. Ее муж отвергает ее ухаживания, а ее свекровь, которую Мария Хофштеттер изображает как суровая мать Генглин, осуществляет контроль. Кажется, все ухудшается, и Агнес, нежная молодая женщина с поэтической душой, изо всех сил пытается справиться. Каждая неудача, которую она переживает, воспринимается как катастрофическая неудача, погружающая ее в глубокую депрессию. Это отчаяние отражает мрачную атмосферу, которая окутывает лес, окружающий ее новое жилище, превращая некогда безопасный лес в огромное зловещее болото.
Плашг чутко воспринимает ухудшение состояния Агнес. Первоначально Агнес демонстрирует небольшие акты неповиновения, например, незаметно дает дополнительную буханку хлеба работникам семейной фермы Вольфа. Однако мать Гэнглин постоянно унижает ее, вынуждая Агнес скрывать присущее ей сострадание. В драматическом эпизоде, после близкого столкновения с лесом, Агнес берет колючую ветку и энергично царапает ею язык, в качестве самонаказания за жестокость, нанесенную ей матерью Гэнглин. Меланхолия Агнес сначала развивается постепенно, затем внезапно наступает; как будто вы почти чувствуете, как оно давит на нее, как суровая погодная система.
Как заядлый поклонник, я нахожу изображение глубокой печали Плашга завораживающим. Ее брови часто хмурятся, как будто она пытается выглянуть из-под пелены тяжелых слез, а глаза часто опухают от бесчисленных бессонных ночей, проведенных в печали. В манере, напоминающей Джину Роулендс, Плашг деликатно и изящно изображает Агнес, женщину, борющуюся с сокрушительной депрессией.
Ближе к заключительным моментам фильма Агнес кажется безжизненной в постели, а Плашг демонстрирует острую чувствительность, скрывая любые признаки беспомощности, но вместо этого передавая абсолютное отсутствие мыслей, чувств или движений — резкое представление оцепенелой печали, чистого отчаяния. После того, как Агнес совершает свой поступок и получает прощение после признания в мелких проступках, она демонстрирует сияющую, безумную радость; это самое счастливое состояние, которое она испытала со дня своей свадьбы. В кульминации одного из самых впечатляющих представлений года Агнес, сыгранная Плашгом, одновременно разражается смехом и слезами. — Алиша Могол
Наоми Скотт в роли Скай Райли в фильме «Улыбка 2»
Когда я наблюдал, как Наоми Скотт с поразительной интенсивностью быстро выпила целую бутылку воды «Восс» всего за десять секунд, стало ясно, что я наблюдаю замечательный ужасный образ. В фильме «Улыбка 2» режиссера Паркера Финна ее героиня, поп-звезда Скай Райли, использует быстрое питье воды как средство, чтобы справиться с пристрастием к наркотикам, вызванным стрессом, тревогой или болью. На протяжении всего фильма она терпит эти трудности и даже больше.
Без сомнения, сложно найти киногероя, который пережил бы столько потрясений, как Скай. С самого начала ясно, что она боролась с личными проблемами задолго до того, как сверхъестественная сила фильма начала охотиться на ее внутренние конфликты и эмоциональные потрясения. Роль легко могла бы стать монотонной, но Скотт привносит устойчивость в образ измученной художницы, что делает игру захватывающей. Ее путь от отчаяния до демонстрации непоколебимой решимости — это то, что сразу находит отклик у зрителей и держит нас на крючке.
Одна из сильных сторон фильма Финна заключается в том, как он показывает эквивалентность между душераздирающим аппетитом чудовищной сущности и природой агрессивных, парасоциальных отношений, которые стали нормой в результате повсеместного распространения социальных сетей и культуры стэна. В Скай мы видим, как слава, деньги и слава в центре внимания не решают проблемы; это только дает им большую платформу. Скотт доказывает, что она более чем готова сыграть роль персонажа, находящегося между крахом и смелостью. Она может похвастаться музыкальными способностями, которые сделали ее правдоподобной поп-звездой, которая сделала бы ее объектом привязанности, «любимым артистом вашего любимого артиста», которым будут одержимы таблоиды и которому нетерпеливые фанаты скажут что-то вроде: «Ты мое духовное животное». » Песни из вселенной сами по себе являются сертифицированными ушными червями, но они становятся еще более захватывающими и оживляющими благодаря осознанной передаче Скоттом двойного смысла текстов. Удивительно слышать строчки на ее поясе вроде «Ты можешь взять меня по меню, без каких-либо условий», зная, что, как бы это ни казалось, это ужасно, учитывая контекст того, что преследует ее.
Однако открытие заключается также в том, как Скотт так ощутимо воплощает внутреннюю агонию. Именно в ее лице, наряду с размазанной помадой и засохшими слезами, заключен целый ряд эмоций, холст, на котором Финн рисует последствия сокрушительной тяжести славы, страх, что нас будут определять наши худшие ошибки, и то, как мы быстро раскрутиться и попытаться перехватить контроль, когда что-то ускользает от нашего контроля. Тем не менее, надо отдать должное Скотту, она не изображает Скай беспомощной; вместо этого она демонстрирует тот же страх со стальной уверенностью и дисциплиной. Несмотря на множество поворотов сюжета фильма, мы по-прежнему поддерживаем завораживающую решимость и дух Скотта. Именно это сочетание открытой уязвимости и упорной стойкости делает Скотта выдающимся талантом; «Улыбка 2» — это просто горючая визитная карточка артиста, умеющего убивать улыбкой. – Закари Ли
Джош Хартнетт в роли Купера в фильме «Ловушка»
Одним из заметных изменений в карьере М. Найта Шьямалана стал выбор Джоша Хартнетта, известного своими ролями приятного парня, на роль хладнокровного серийного убийцы в «Ловушке». Это сбивающий с толку опыт, напоминающий вам о вашей собственной смертности, когда ваш подростковый поклонник становится родителем подростка. Большая часть триллера Шьямалана разворачивается на огромном стадионе, где персонаж Хартнетта Купер берет свою дочь Райли (Ариэль Донохью) на встречу с ее любимой поп-звездой, леди Рэйвен, которую играет Салека Найт Шьямалан. Пожарный днем и убийца ночью, Купер вскоре обнаруживает, что весь концерт — это ловушка, созданная для его поимки. Интрига фильма зависит от Хартнетта, который умело изображает как свою очаровательную отцовскую манеру поведения, так и тревогу преступника, пытающегося перехитрить приближающуюся к нему полицию.
Хартнетт умело и с размахом выполняет эту задачу, изображая бурный эмоциональный ландшафт Купера, прежде всего, посредством тонких изменений в его мимике. Шьямалан часто снимает Хартнетта крупными планами, где его загадочная улыбка и пронзительный взгляд доминируют в каждой сцене, передавая сложную смесь эмоций. В интерпретации Хартнетта отцовский юмор кажется окрашенным опасностью; каждое случайное подмигивание ничего не подозревающей маме родительского комитета несет в себе угрозу насилия. Хартнетт мастерски сочетает отчаяние, вызванное желанием убийцы сбежать, с рвением отца, стремящегося сохранять хладнокровие перед своей любимой дочерью. По мере того, как повествование перемещается в дом Купера, двойственность, присущая игре Хартнетта, превращается в своеобразный психоз, поскольку его уязвимость полностью исчезает, обнажая злодейскую сторону, которую больше невозможно скрыть. — Мария И. Гейтс
Брайан Тайри Генри в роли Джейсона Крачфилда в фильме «Огонь внутри»
Всякий раз, когда социальные сети предлагают «кто должен сыграть X», мои мысли часто обращаются к Брайану Тайри Генри. Он заслуживает ролей в фильмах Marvel, инди-драмах и во всем, что между ними, потому что с каждым выступлением он постоянно поднимает планку. Будь то его тонкое изображение в таких широких жанрах, как «Сверхскоростной поезд», или глубокое исследование глубины характера в «Дороге», он никогда не перестает впечатлять. Его предстоящий фильм «Огонь внутри» еще раз демонстрирует его исключительный талант. Я не сомневаюсь, что мог бы выбирать его ежегодно за подобные функции.
Что отличает БТХ, так это его способность создавать впечатляющие моменты за пределами сценария. Он одаренный артист, который умело вписывается в свои роли, создавая впечатление, будто он действительно живет персонажем, а не играет на сцене. Это достигается за счет убедительного изображения подлинного слушания, мышления, реагирования и реагирования, а не простого повторения строк и выполнения заранее определенных движений.
«Джейсон Кратчфилд и «Огонь внутри»» могли бы стать еще одним предсказуемо вдохновляющим спортивным фильмом, но благодаря аутентичному изображению Генри (и его столь же убедительного партнера по фильму Райана Дестини) он кажется по-настоящему аутентичным. Легче не заметить знакомые образы, если мы искренне верим, что персонажи их переживают. Брайан Тайри Генри просто не способен показать неискреннюю игру. — Брайан Таллерико
Джереми Стронг в роли Роя Кона в фильме «Ученик»
До просмотра американского хоррора Али Аббаси «Ученик» Рой Кон был для меня незнакомой фигурой. Если бы не исключительная игра Джереми Стронга, Кон так и остался бы для меня неизвестным. Несмотря на то, что политический климат 2024 года потенциально отпугивает некоторых зрителей, этот фильм раскрывает увлекательный аспект истории, который может оказаться увлекательным как для любителей «настоящих преступлений», так и для любителей «исторической фантастики». Кажется, возникает любопытство, когда вы пытаетесь определить, кто спровоцировал хаос или гений, в зависимости от точки зрения.
В этой интерпретации персонаж Себастьяна Стэна (молодой Дональд Трамп) значительно продвигается вперед благодаря мощной поддержке Стронга, создавая динамику на экране, которая отражает их реальные отношения. После своего ухода из «Наследия» Майкл Стронг представляет пугающее и точное изображение трамповского гиперкапитализма и женоненавистничества. Первоначальная концепция оранжевого автозагара Трампа, как показано в сериале, была создана под влиянием его наставника Роя Кона, что символизирует серию последовавших за этим прискорбных решений. Образ Стронга служит образцом поведения и бизнес-стратегий Трампа. По мере того, как их взаимная зависимость углубляется, персонаж Стэна, кажется, высасывает энергию из Стронга, который убедительно превращается из безжалостного, злобного адвоката в деградирующего, дезориентированного человека – того, кто может подвергать сомнению монстра, которым он стал.
С точки зрения Кортлин Келли, изображение лет становления Дональда Трампа в этом художественном рассказе усиливается талантом Стронга изображать сложные эмоции. Это добавляет уровень аутентичности персонажу и истории, делая ее более интересной. Я не могу дождаться того дня, когда Jeopardy или Wheel of Fortune представят ключ, который связывает два выдающихся выступления Стронга: можете ли вы их назвать? — Кортлин Келли
Джастис Смит в роли Оуэна в фильме «Я видел сияние телевизора»
Что касается кино, я должен выразить свое глубокое восхищение душераздирающей ролью судьи Смита в фильме «Я видел сияние телевизора». Этот шедевр режиссера Джейн Шенбрун погружает в мрачные глубины подросткового диссонанса. Повествование вращается вокруг двух одноклассников, которые находят утешение в ночном телесериале под названием «Розовая непрозрачность». К сожалению, один персонаж, Мэдди, исчезает после финального эпизода, оставляя Оуэна дрейфовать среди сложных аспектов себя, которые он когда-то уловил (хотя и несовершенно) в этом сериале. Время идет, фантазии перетекают в реальность, и этот фильм служит острым исследованием идентичности, потерь и силы телевидения формировать наше восприятие.
Первоначально его изображал Ян Форман, прежде чем вступить во владение, Оуэн — неуклюжий и одинокий подросток, который изо всех сил пытается выразить глубокий дискомфорт, который постепенно разрушал его самоощущение по мере того, как он становился старше, вместо того, чтобы вести его к открытию его внутренней истины. Шенбрун, режиссер-транс, рассматривает свой фильм как символ момента «разбивания яйца», когда кто-то понимает, что он транс, но у Оуэна нет слов или самосознания, чтобы определить свою личность таким образом, и он становится все более изолированным и разобщенным по мере того, как он стареет.
В душераздирающе грубом изображении глубоко укоренившейся суматохи Смит мастерски выражает подавленную дисфорию как мучительную медленную кончину, душераздирающую личную трагедию, разворачивающуюся на экране. По мере того, как личность Оуэна рушится, он борется с искусственно созданной природой своей реальности, не зная, как заново открыть свою подлинную сущность. Через призму Смита жизнь Оуэна изображена как чистилищное состояние отстраненности: каждое действие является подавлением, каждое произнесенное слово отзывается пустым эхом, когда оно покидает его губы, — все это превращается в кульминационное, открывающее глаза откровение фильма, где Оуэн противостоит с трепетом. и ужас, скрытая истина внутри него самого. — С уважением, любитель кинематографии
Райли Кио в роли женщины в фильме «Снежный закат»
Во время дебюта последней причудливой постановки братьев Зеллнер на фестивале «Сандэнс» Джесси Айзенберг случайно упомянул, что у него на съемочной площадке был инструктор по мимике, который инструктировал актерский состав. Это подчеркивает преданность, которую каждый вложил в свою бессловесную (отсюда и необходимость в тренере по мимам) роль неуправляемых снежных людей, путешествующих по уменьшающейся дикой местности Северной Калифорнии в «Сасквотч-закат». Однако среди актерского состава Райли Кио сталкивается с наиболее сложными актерскими задачами и берет на себя наибольший риск в этом фильме, учитывая, что она единственный женский персонаж.
Кио всем сердцем погружается в каждого персонажа, которого играет, о чем свидетельствует ее отмеченная наградами роль в фильме «Зола». Однако выразить страх, тревогу, печаль и глубокие эмоции, надев костюм снежного человека с полным протезированием лица, довольно сложно. Это требует усилий даже для такого талантливого человека, как она. В первых сценах она в основном шутит со своими коллегами-актёрами, издаёт улюлюканье, подбрасывает предметы и издаёт звуки во время сцены секса с Саскватчем. (Да, вы правильно прочитали.)
На протяжении всего повествования «Мама-снежный человек» Кео становится эмоциональным фокусом истории, мастерски управляя ею через смелый (но успешный) переход от беззаботной комедии к пронзительной дань уважения. Ее игра в сцене, где она «рожает», уединившись в лесу, издавая ворчание, вой и вытаскивая руками куклу-снежного человека из своего пушистого костюма, символизирует уровень самоотверженности, к которому должны стремиться все актеры, и уровень, к которому должны стремиться немногие. суметь достичь. — Кэти Райф
Зендая в роли Таши Дункана в «Челленджерах»
После того, как ее время на канале Disney закончилось, Зендая, когда-то известная как сенсация канала Disney, взялась за различные роли. От получения премии «Эмми» за роль Рю в «Эйфории» до роли романтического интереса всеми любимой паутины в трилогии Джона Уоттса «Человек-паук» и теперь главной роли в «Дюне» Дени Вильнева, похоже, популярность Зендая продолжает расти без границ.
Хотя репутация Зендая не подлежит сомнению, в последнее время возникли некоторые сомнения в ее актерских способностях. Тем не менее, она доказала свою храбрость, выиграв премию «Эмми» за роль в «Эйфории». Тем не менее, некоторые критики утверждают, что она не сыграла роль, которая действительно соответствовала бы широкой похвале, которую она получает. Интересно, что, похоже, Зендая положительно относится к этому отзыву, поскольку в последнее время она решается на более сложные и необычные роли.
В своей недавней роли Таши Дункан, тренера, который когда-то стал вундеркиндом после трагической травмы, Зендая демонстрирует еще один шаг в своем актерском росте. Таши изображается очаровательной, стратегически умной и очень эмоциональной, что особенно важно, потому что она полноценный взрослый персонаж. Раньше Зендая придерживалась стереотипов о подлой девчонке, но этим ролям часто не хватало зрелости из-за молодости и неразвитости персонажей.
В этой презентации заметно изменение темпа. Впервые зрители становятся свидетелями того, как Зендая вступает в зрелую роль, что подчеркивает ее эволюцию как актрисы и художницы. От своих действий до выражения лица она демонстрирует более богатый и обширный стиль, который кажется отходом от ее прошлого на канале Дисней и скачком вперед по сравнению с ее работой в «Малкольме и Мари».
По мере того, как Зендая все глубже погружается в сложные образы персонажей, интересно видеть, куда ее приведет это путешествие, скрестив пальцы за то, что она будет продолжать брать на себя такие сложные роли в будущем. — Брэндон Таунс
Рэйф Файнс в роли кардинала Томаса Лоуренса в фильме «Конклав»
Как кинокритик, я был глубоко поглощен эмоциональным смятением, изображенным кардиналом Лоуренсом в этом фильме. Напряженная атмосфера собрания кардиналов, каждый из которых соперничал за пост Папы, была ощутима, и ясно, что Лоуренс борется со своими собственными сомнениями и уверенностью в этой беспощадной среде.
Лоуренс находится в смятении, раскрывая скорее проблески, чем всю картину. За долгую карьеру в Церкви у него накопились вопросы и неуверенность даже в отношении собственной веры – почти табуированной темы в Ватикане.
Но кардинал Лоуренс — сложный человек. Сомнение обычно не ассоциируется со стальной силой и лидерством, но Лоуренс не зря стал деканом. Он сталкивается с большими проблемами. Он маневрирует по обратным каналам. Он держит свои карты близко. Он нарушает правила. Недооценивайте этого скромного бюрократа на свой страх и риск.
Это выступление Файнса не является ярким или традиционно эмоциональным. Вместо этого это требует огромных навыков и контроля, мастерства, отточенного за многие годы работы в отрасли. По сути, фильм прославляет уникальные таланты, которые актеры с давних времен привносят в свои роли. Хотя Файнс без особых усилий изображает эксцентричность и абсурд, на этот раз он демонстрирует необычайно интимную игру – одну из лучших своих работ.
Наоми Аки в роли Фриды в фильме «Моргни дважды»
В фильме «Моргни дважды» Наоми Аки чудесно преображается в образе Фриды. Она очаровывает нас своим изображением, исследуя эмоции, выходящие за рамки определенного спектра, углубляясь в тонкости между ними. Поначалу Фрида игнорирует интуитивное ощущение, что что-то не так с ее отдыхом на острове и человеком (Ченнинг Татум), который организовал для нее это путешествие. Она всегда мечтала о том, как богатый «принц» унесет ее в роскошь. Если она не может найти с ним радости и ее жизнь дома уныла, она чувствует, что у нее не осталось никаких стремлений.
Кульминация ее внутренней борьбы разворачивается в танцевальном эпизоде с сомнительным партнером. Каждый шаг в сторону от него вызывает страх, а каждое возвращение возвращает ей фальшивую улыбку радости. Это представление о выживании тем более пугает, потому что — в разной степени — мы можем относиться к этому танцу. Когда Фрида утверждает, что ей весело, мы понимаем, что это не так, но она убеждает себя, что это так.
В исполнении Эки противоречивые психические состояния создают яркую палитру эмоций, при этом каждое развитие сюжета раскрывает новые аспекты ее призрачного островного ландшафта. Каждый воспоминаемый момент тонко изображается через тонкую мимику — напряженные пальцы, внезапную дрожь, прерывистое дыхание и губы, повернутые вверх в двусмысленном изображении, которое не является ни улыбкой, ни ухмылкой. Эти тонкие намеки указывают на смятение в ее уме. Фрида, которую сыграл Аки, выражает сомнение в глубине собственных страданий, заставляя сопереживать ее подлинности. Последнее выражение мести и самодовольства на ее лице особенно приятно наблюдать. — Шерин Николь
Джон Дэвид Вашингтон в роли Боя Уилли в «Уроке игры на фортепиано»
В экранизации своего брата «Урок игры на фортепиано» Августа Уилсона Джон Дэвид Вашингтон демонстрирует исключительную храбрость, затмевающую его предыдущие появления на большом экране. Эта постановка, поставленная Малкольмом в его первой режиссерской работе, знаменует собой возвращение Вашингтона, который ранее в 2022 году играл Боя Уилли на Бродвее. Его игра глубоко эмоциональна и кажется очень личным изображением.
Этот футболист в формальном смысле ярко изображает шедевр Уилсона, наполняя его эмоциональным накалом и поэтической справедливостью. Кажется, что каждое его слово резонирует, как прекрасно написанная песня в кинематографической обстановке. Его страсть к языку очевидна в каждом движении, взгляде и взаимодействии с другими актерами. Благодаря впечатляющему присутствию на экране его игру еще больше усиливает его коллега по фильму и старшая сестра Бернис, которую блестяще сыграла Даниэль Дедвайлер.
Джон Дэвид Вашингтон, сын уважаемых актеров Паулетты и Дензела Вашингтонов, несомненно, совершил свой собственный особенный кинематографический путь. Его впечатляющая карьера, охватывающая различные жанры, роли и сотрудничество с разными режиссерами, демонстрирует его уникальный талант. Обладая многообещающим будущим, которое сияет так ярко, что почти ослепляет, этот молодой актер готов к еще большему успеху в мире театра. – Карла Рената
Смотрите также
- Агата Кристи — «Смерть на Ниле» анонсирована для PS5, Xbox Series, Switch и ПК
- 25 лучших сериалов 2024 года
- Bendy: Lone Wolf анонсирован для PS5, Xbox Series, PS4, Xbox One, Switch, ПК, iOS и Android
- Boti: Byteland Overclocked выйдет на PS5, Xbox Series, PS4, Xbox One и Switch 10 января 2025 г.
- Симулятор снайперских боев Center Mass: Streets of Ramadi анонсирован для ПК
- Bandai Namco будет выпускать обновленные версии Tales of title «довольно последовательно»
2024-12-20 17:59